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Do you want to act in English?

Me llegan más y más llamadas de actores españoles para ayudarles en castings de producciones rodadas en inglés en España y en otros países. Tenemos que pasar más tiempo corrigiendo su inglés que actuando y al final, su interpretación puede resentirse.  Como actores tenemos que hacer ya mucho como para estar constantemente pensando: “¿Me entienden lo que digo?” Recuerda que lo más importante no es el acento, pero que te entiendan. El curso “English pronunciation” es una oportunidad para ejercitar tu inglés que ya sabes. Gana confianza en tí mismo al actuar en el idioma de más demanda en el mercado. Para que aproveches al máximo, el curso entero se hará en inglés.  No sólo actuarás pero comunicarás en inglés con tus compañeros actores, con el director y con el equipo. No esperes a que sea demasiado tarde. Demuéstralo a tí mismo y a los que toman las decisiones. Recuerda que lo más importante no es el acento, pero que te entiendan. El curso “English pronunciation” es una oportunidad para ejercitar tu inglés que ya sabes.

Scott Cleverdon

I get more and more calls from Spanish actors asking to help them with castings of productions filmed in English in Spain and other countries. We spend more time correcting their English than actually acting and eventually, their performance can be affected. As actors we already do a lot to be constantly thinking “Do they understand what I am saying?” Remember that the most important thing is not the accent, but that they understand you. The “English pronunciation” course is an opportunity to practice the English that you already know. Gain confidence in yourself by acting in the language most in demand in the market. So that you make the most of it, the whole course will be in English. Not only will you act but you will also communicate in English with your fellow actors, the director and the team. Don´t wait until it´s too late. Prove it to yourself and to the decision makers.

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Lucas Trapaza, Demasiado Temprano

Cuando alguien, que conmovió la gente con su generosidad, su sentido de humor y su amor, muere, es demasiado temprano.

Cuando alguien muere tan joven, tan vital para el mundo con esa sabiduría para compartir como un niño es siempre demasiado temprano.

Lucas Trapaza murió ayer a la edad de 46 años, solo unos años mayor que yo.

Él era un payaso en el mejor de los sentidos. En su interpretación, sus interacciones y estoy seguro en su trabajo como profesor. Él era un hereje en el mejor sentido. Su herejía había encontrado una forma diferente de ver el mundo y hacer reír.

Hace algunos años, tuve el honor de enseñarle y seguimos trabajando juntos después de esas clases. Ilustró el libro de Assumpta con sus caricaturas irreverentes. Parecía muy fácil para él. Era algo innato en él, trabajar en un equipo y cumplir todas las promesas. Como profesor, aprendí mucho de él.

Recibí el mensaje anoche de un querido amigo, quien también, le conocía, aunque no estoy muy seguro de cómo se habían conocido.

Se lo dije a Assumpta y estábamos los dos impresionados.

Esto no es como una película que termina a la mitad, o un programa de televisión que se canceló, o llegando al final de un libro encontrar que la historia está incompleta. Es como descubrir que una gran isla ha desparecido entre las olas, con todas de las posibilidades que la población podría haber tenido.

Ahora, no hay nada salvo el agua tranquila encima de una brillante esperanza, una esperanza que, ahora, está escondida debajo la oscura y fría agua.

Hemos perdido muchos talentos este año. Pocos con los que hemos tenido la oportunidad caminar juntos.

Como las gaviotas dan vueltas y se deslizan arriba, clamando como niños perdidos, sus voces gritan, “demasiado temprano, demasiado temprano.”

Y el payaso se quita su maquillaje, deja de lado su nariz roja y vemos que sus lágrimas solo estaban pintadas para que nuestras lágrimas puedan ser reales. 

Traducido por Jessica Salter

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Lo que pasa cuando una Estrella muere: Robin Williams

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Cosmologistas nos dirán cómo una estrella se forma.

Nos dirán qué hace durante su breve (en términos de Universo) vida.

Nos dirán qué pasa cuando explota, y le ponen el nombre de Supernova.

Nos dirán que pasa cuando es tan grande en tamaño que colapsa en sí misma, y le llaman la Estrella Neutrón.

Pero no nos dirán por qué todos nos emocionamos por la pérdida de Robin Williams.

Mi rutina diaria es: me bajo nuevos podcasts y los escucho yendo al trabajo.

Hoy, después de leer la noticia de la muerte de Robin Williams le dije a mi mujer Assumpta la noticia y los dos hemos hecho esa cosa con nuestras cejas, cuando se mueven y hacen un pico como si fuera el tejado de una casa. Los dos hemos bajado la cabeza y ella me ha preguntado: ¿Pero, cómo? Suicidio, le he dicho. “Qué egoista, ¿Suicidio? ¿porqué? !! Con lo que podía dar a la Humanidad todavía!!

Después escuché el podcast de Marc Maron en WTF donde Robin Williams dio una de sus entrevistas más íntimas, reveladoras y predecibles. La grabó en 2010. Intenta escucharla si puedes. Marc Maron, es el comediante de stand-up que accidentalmente se ha convertido en el archivador de los actores de su pasado, presente y futuro.

Marc dice que ésa entrevista le cambió su vida. Escuchándola, puedes entender por qué. Es una exploración de Robin Williams tranquila, suave y sin tomar partido en los detalles de su historia, pero deja ver como era en ese momento y a dónde se dirigía. Sonaba como si estuviera en un buen lugar.

Es poco lo que puedo decir comparando con aquellos que estuvieron más cerca de él o con miles de escritores infinitamente mejores para expresar lo que me gustaría decir…

Cuando una estrella tiene una magnitud 25 veces mayor que la de nuestro sol, colapsa en sí misma de forma que su medida es matemáticamente cero y sin embargo, su densidad es infinitamente más alta que la que tenía.

No podemos ni imaginarlo, ni nosotros ni los físicos o matemáticos o cosmólogos porque no hay una teoría para la Gravedad cuántica. Es lo que se llama el Agujero negro. Hay un límite teórico, conocido como el “Horizonte de acontecimiento”, donde todo, incluso la luz, no puede escapar de su abrumadora gravedad.

Así que cuando una estrella nos deja, una con tanta masa, gravedad y peso específico como Robin Williams estamos empujados al vacío para tratar de acercarnos a ese campo centrífugo de gravedad y destrucción.

Para aquéllos que le amaron, a él y a su trabajo, miramos en la distancia a ese “horizonte del acontecimiento”. Debemos vigilar que el proselitismo, las noticias y comentarios irresponsables, no estimulen a aquéllos que tienen riesgo de aventurarse más cerca a esa frontera de vacío.

Al contrario, debemos saber que la ausencia de luz no significa que no podamos recordar o reírnos en memoria de su calidez humana.

Al contrario, debemos vigilar y aprender a amar más, a juzgar menos y a saber que el más brillante de nosotros es capaz de ser coherente con la más profunda de las oscuridades, nacida no de egoísmo ni de narcisismo pero de algo más cercano que la gravedad cuántica. No son estúpidos o egoístas. Están sujetos a sus propios límites donde el efecto del Agujero negro empieza.

Mi cita favorita de todas las películas llega de la película “Contact”, dirigida por Robert Zemeckis. Por la primera vez en la historia de la humanidad, una intrépida astrónoma Ellie, se encuentra en la profundidad del espacio construyendo una máquina, cuyo diseño le llegó de su análisis del espacio profundo.  Mirando a través de ésa pequeña cápsula donde flota, rompe a llorar por la belleza y grandiosidad inigualable del universo. Encontrándose no cualificada ante ese esplendor, dice: “Tendrían que haber enviado a un poeta”.

Así que a un poeta muerto y dirigido al resto de nosotros, me levanto de mi mesa y lloro; “Oh, Capitán, Capitán”, hoy está perdido, pero el mañana todavía espera medir su tamaño y aguarda… para que nosotros escribamos nuestro propio verso.

 

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Merecido homenaje de @scottcleverdon a Philip Seymour Hoffman

¿La interpretación es el nuevo Rock and Roll?Hoy, me desperté y me puse al corriente de las noticias como siempre. 
Casi pensé que era una broma, ¿cómo podría no pensarlo?
         Philip Seymour Hoffman ha muerto a los 46 años de edad de una sobredosis clara de heroína. Se lo mencioné a mi amigo a la hora del almuerzo y él dijo, “¡qué idiota!” 
He sido consciente de sus problemas con el alcohol y creo que él siempre ha sido franco sobre ellos. Él parecía haber ocuparse de ello, comprenderlo y entender su rechazo y ahora, escucho de otras drogas también. 
La pregunta es, ¿por qué hoy en día perdemos más actores que estrellas de Rock? Y ¿por qué sus muertes nos afectan tanto? 
James Dean, Marilyn, incluso Jane Mansfield, llegaron a ser iconos después de sus fallecimientos prematuros. 
         Los artistas más dignos en el pasado, como Cary Grant y Audrey Hepburn se jubilaron, o Gene Hackman y Sean Connerydel presente han dado un paso hacia atrás con gracia, de la interpretación y el ojo público. 
Sin embargo, Heath Ledger, Paul Walker, River Pheonix, James Galdogini y Cory Monteith, todos fueron actores, hasta la cintura en sus carreras y su potencial. 
Según las noticias, dijeron que Philip Seymour Hoffman se murió de una sobredosis clara. 
Como dijo Eddie Izzard en su monólogo humorístico hace diez años sobre la muerte de Lady Diana, y parafraseo, “fue como si el programa se interrumpiera, pero no sabíamos cómo terminó.” 
Por esta razón, creo que quizás nos afecta mucho la pérdida de nuestros actores. 
         El actor nos guía en una historia. El actor nos provee algo para vincular con ello. El actor es el conducto entre la narrativa y nuestra propia experiencia personal. Su sacrificio (y no sugiero que no estén bien remunerados) muestra resultados en nuestra inversión de su sufrimiento y la historia que creamos para nosotros. 
Brecht habló sobre la idea de la distancia. Aquella era la diferencia entre la realidad percibida y la realidad real. La realidad real, la violencia, el sexo etc. hacían que el espectador dudara de lo que estaba viendo como ser humano y quizás lo que necesitaba era la intervención o la repugnancia. La distancia estética era cuando podíamos ver los temas y la narrativa detrás de la acción y encontrar algo que hablara de nuestra propia naturaleza. Es la diferencia entre un documental del metraje franco de una guerra, pornografía o violencia explícita y narración ficticia. Con la ficción, podemos aprender y encontrar significado y con el metraje sólo podemos reaccionar, físicamente o emocionalmente en un nivel primitivo. 
Cuando perdemos un artista, perdemos aquella distancia. Han ofrecido un sacrifico, de una manera u otra, en muchas de las películas o los programas de televisión que hemos visto y disfrutado. 
Y cuando se vayan, no podemos aprender, sino reaccionar. 
Parece una broma cuando lo leemos. Reímos, porque es lo que hacemos cuando no tenemos otra acción. Estamos llenos de escepticismo, indignación, frustración, aceptación y momentáneamente, damos traspiés por todas las etapas de dolor. 
O decimos, “¡que idiota!”, porque nos quedamos sin una narrativa, ni una historia y no podemos creer que alguien tan abundante en muchas cosas, podría desperdiciarlo en una manera tan rutinaria.

No nos quedamos nada más que una reacción, porque nos han robado de la historia. La historia del suceso futuro, gloria y creatividad. 
Nos quedamos sólo con una reacción, vacío, porque todo lo que nos dice es que terminó la historia. No hay dignidad, ni nobleza, ni importancia. Solo es el fin. Las estrellas de Rock al menos nos dejan su música; los actores nos dejan los momentos íntimos que hemos compartido con ellos en el contexto de una narrativa. A diferencia de la música, solo podemos experimentarlos de verdad con los ojos abiertos. Aquella distancia se ha perdido, todo se han hecho actual. Ya no podemos encontrar ningún significado, solo reaccionar. 
Y cuando nuestros mejores e inteligentes, nuestros representantes en historias excepcionales se van tan pronto, sin una palabra final- hace que sepamos que tan pronto nos iremos, algún día, sin dignidad, ni nobleza y quizás menos de lo que demostramos al principio: el Fin.
Scott Cleverdon
Director de la fundación First Team junto con Assumpta Serna
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El Comienzo de una Bonita Amistad

Cinco. Cinco son los guiones que esperan encima de la mesa de reunión del equipo de rodaje de la fundación First Team. A unos pocos días de grabación llegó el quinto, servicio al cliente, sin lugar a dudas el que más se ha hecho esperar. Cinco historias completamente diferentes que suceden entre las paredes de un hotel. Dar vida a estas cinco historias es el reto que se plantea al equipo.


Desde que sonara el pistoletazo de salida la fase de preproducción ha sido, como en la mayoría de ellas, una locura. Todo parece fácil, al principio no hay obstáculos. Hay unos objetivos como conseguir un catering pero aquello que parecía sencillo se convierte, como en la mayoría de las tareas de preproducción, en un quebradero de cabeza. Tiene que ser algo que se ajuste al presupuesto, que guste a la mayoría del equipo, que aporte energías, que esté cerca de rodaje para no transportarse en grandes distancias,… al final todo sale, esa es la magia.

No sabes cómo pero al final todo sale” repite Minerva Gormis, la directora de producción, intentando infundir ánimos en la plantilla. En su lista tiene mil y una cosas que hacer pero aún así consigue tiempo para preocuparse por las personas y para infundirlas ánimo. Sus palabras encierran una gran verdad, al final todo sale. Hay mucho esfuerzo de por medio, vueltas de arriba a abajo por las calles del entorno, incontables llamadas y conversaciones para llegar ha conseguirlo, pero merece la pena.

Comienza y no se detiene por nada ni por nadie. Elrodaje avanza hora a hora, minuto a minuto y a lo largo de todos ellos los ánimos son los mismos, las ilusiones también. El único indicio que delata que hubo una jornada anterior son las ojeras, unos círculos amoratados que acompañan a todo el equipo e incluso a actores. Pero no importa, de igual manera la maquinaria ya está en funcionamiento y cada uno sabe lo que tiene que hacer. El ajetreo es palpable, el ir y venir del grupo de cámara e iluminación se traduce en un murmullo constante de pasos, del roce de la ropa con el metal y el plástico del material, de respiraciones fuertes. Un murmullo que se enreda con la charla en vestuario y maquillaje. Un retoque de labios acá, un poco más de rímel allá y está lista.
¡Necesito a Carmen y a Raúl ya!” se escucha desde dirección, los ayudantes corren en busca de los actores. Todo es prisa antes de rodaje. La comodidad de las habitaciones del Hotel Ganivet ayudan al equipo a no desfallecer. Pero sobre todo su magnífico aire acondicionado. Nadie que no haya estado en rodaje, nadie que no haya vivido en su propia piel estar encerrado en una habitación junto con otras doce personas, con una máquina de humo inundando la atmósfera de un aire asfixiante, mientras los 38º al sol de mediados de julio calienta el ambiente.

¡Vasos de agua!”, “¡La pantalla de sesenta!”, “¿Dónde está el cuadro?” son algunas de las frases que cruzan el pasillo de la primera planta del Ganivet. Los empleados de este atienden con suma paciencia las peticiones de un rodaje que va a corto por día. Nunca las palabras de “¡Cortamos para comer!” sonaron tan bien. Durante una hora el volumen de la risa y de las charlas se elevan libres por fin del silencio sepulcral que impone el: “ prevenidos. ¡ACCIÓN!”


Durante la hora de relax mil y una experiencias diferentes vuelan de unos oídos a otros. Ferran, uno de nuestros actores nos deslumbra con su voz de tenor, nuestro segundo ayudante de dirección nos reclama a los madrileños que le hagamos un cocido,…. Y vuelta a empezar.

Según pasan las horas el ritmo se acelera y la presión por los planos que quedan por hacer se incrementa. En las frentes se dibujan arrugas de preocupación, cada par de ojos concentrados en un punto diferente. Monitor, posiciones de actores, iluminación, retoques de maquillaje, atrezzo y vestuario que no se dañe. Son mil detalles que esta pequeña orquesta de 35 intenta dirigir a un punto final en donde las notas musicales son sustituidas por las imágenes.

Corten, ya estamos” o palabras por el estilo son las que los oídos de los componentes del cortometraje ansían oír. Y cuando llegan todo se detiene durante unos segundos, como si cada una de las mentes necesitaran asegurarse de la veracidad de estas. No todo ha acabado todavía toca recoger. Cuando este momento llega es cuando las personas se dan cuenta de todo lo que realmente hace falta para hacer llegar al espectador una imagen que parece simple a primera vista. Vivir la complejidad que se esconde detrás de estos pequeños fragmentos llenos de significado es lo que nos impulsa un día tras otro a acudir a las órdenes de citación de rodaje. 
 


Han sido 15 días para algunos y 6 para otros pero ante todo ha sido, y será, una experiencia inolvidable. Cuando el “corten, ya estamos”se convierte en el último de todos además de los aplausos que resuenan en el set se respira cierta melancolía. Son sólo pequeños reflejos de tristeza por lo que acaba y ya no volverá. Ha sido una gran experiencia y en parte nadie quiere que se acabe. Aquí se han hilado lazos que con un poco más de empeño seguramente se conviertan en el comienzo de una bonita amistad.

Lucía Ayllón – Jefa de Producción

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Videobooks para tontos I. Por Scott Cleverdon

Gran parte de lo que voy a decir en esta entrada es opinión personal. Muchas veces los alumnos me preguntan en clase acerca de videobooks. Cuando empiezo a editar el material de un actor hay ciertas cosas que necesito. Este pequeño FAQ, que publicaré en dos partes, no pretende ser definitivo ni descubrir la verdad absoluta sobre videobooks. Simplemente se trata de un repaso lógico a cuestiones como por qué lo necesitamos, cuál es su verdadera utilidad o qué necesitamos para hacerlo, además de información sobre la lógica y la creatividad necesarias para lograr que un videobook sea realmente efectivo. Es mucho más sencillo de lo que te imaginas.
videobook
 
1. ¿Por qué necesito un videobook?                                                         
 
Bueno, la respuesta puede parecer obvia pero en realidad un videobook sirve para mucho más que enviarlo a un director de casting.
 
En primer lugar, la mayoría de representantes de hoy en día quieren, además de fotos y CV, poder ver tu videobook.
 
Antiguamente, un buen representante asistía a las representaciones de escuelas y grupos de teatro en busca de nuevos actores. En cambio hoy, que los mayores ingresos de los actores provienen del cine y la televisión, los representantes no solo necesitan ver al actor en pantalla sino que, además, quieren ver su potencial de cara a futuros proyectos y sentir el deseo de vender su trabajo a productores y directores de casting. El resto está en manos del actor.
 
Otra de las razones que hacen necesario un videobook, y quizás la más obvia, es que con él, el actor completa sus herramientas de trabajo. Para tener éxito y conseguir un trabajo en el audiovisual, el actor necesita tener buenas fotos, un CV bien organizado y fácil de leer y, finalmente, un videobook.
 
Muchos actores aún no han dado este último paso, aunque saben perfectamente que para acceder a los representantes y directores de casting del siglo XXI necesitan hacerse uno o, en su caso, actualizar el que ya tienen. De este modo, el actor siente que está preparado, se halla más seguro si su videobook es bueno porque ya hay una cosa menos que demostrar: que ya conoce bien cómo trabajar ante la cámara y que su trabajo es especial y atractivo.
 
Pero, ¿cómo se supone que puedo hacerlo si aún no he trabajado en suficientes pelis y series de TV?
 
Visto así, es lógico que te desanimes, así que mejor borra desde ya mismo esta idea de tu mente.
 
2. ¿Qué necesito para hacer un videobook?                                                 
 
Pues, evidentemente, lo primero que vas a necesitar es material. Puedes usar imágenes de cortometrajes, televisión, publicidad, videoclips, vídeos corporativos o de empresa, y todo lo que tengas, cualquier grabación de calidad profesional que te hayan hecho en cámara podría servir.
 
Muchos actores han trabajado en televisión, largometrajes y cortos pero no tienen una copia de su material.
 
Tienes que hacerte con ello. Puedes exigirlo porque es tu derecho. Seguramente habrás trabajado gratis en cortometrajes, así que facilitarte una copia es lo menos que pueden hacer por ti. Si es posible contacta directamente con el director o, en su defecto, con el editor. Si el trabajo era para una escuela de cine, ponte en contacto con la administración del centro porque probablemente tendrían una copia o, al menos, sabrán decirte cómo hacerte con ella.
 
No te preocupes por ser insistente. Hazlo con profesionalidad, pero siempre sé firme. No conseguirás nada si no lo intentas. Quizás a veces tendrás que pedirlo más de una vez, pero nunca olvides que el material que pides es tu derecho como actor y el equipo que ha hecho el corto o la peli lo saben de sobra. Tienes que recopilar todo el material antes de comenzar a editar. ¿Quieres un videobook? Pues consigue todo tu material. Nadie te juzgará porque lo pidas.
 
Da lo mismo que estés en escena diez segundos o una hora, un buen montador será capaz de encontrar cosas útiles. Montar es saber empalmar imágenes distintas con las que lograr contar una historia coherente y transmitir emoción al espectador.
 
Si solo has trabajado en teatro o, sencillamente, no tienes material de ningún tipo, proponte hacer un curso de interpretación ante la cámara con el que sepas que obtendrás buen material para utilizar en tu videobook. Si no te decides, pide consejo a otros actores o busca material que puedas ver de estos cursos. Tu propio sentido común te dirá si lo que ves es bueno o no.
 
En first team trabajamos duro para que nuestros actores tengan un resultado lo más profesional posible. Por mi parte, yo aprovecho para grabar con cada actor imágenes que sé que serán útiles en montaje, en un espacio que ha sido iluminado profesional y específicamente para él, y en el que el actor logra crear con libertad y desarrolla un interacción dinámica con la cámara en la que explora nuevos registros y facetas que quizás no ha mostrado hasta el momento en su trabajo. Muchos actores han hecho su videobook utilizando exclusivamente imágenes de nuestros cursos. Esta es una manera estupenda de empezar y, así, “matar veinte pájaros de un tiro”.
 
Teniendo en cuenta todo lo dicho, sugiero que te hagas las siguientes preguntas con respecto al material que tengas de cursos ante la cámara:
 
  • ¿Se me ve bien?
  • ¿Se me escucha bien?
  • ¿El resultado parece profesional?
  • ¿Estoy satisfecho con mi interpretación?
  • ¿Quiero enseñar todo de mi?
Si todas tus respuestas son “sí” significa que tu material es bueno.
 
Si has dicho “no” al menos a una de estas preguntas, quizás sea mejor que busques algún otro modo de utilizar el material o descartarlo definitivamente. Hablaré de esto más adelante. 
 
3. ¿Con qué formato de video se puede editar?                                           
 
Bueno, ahora voy a ser un poquito más técnico pero lo importante que vamos a tener siempre en mente es que nuestro objetivo es crear algo con la mayor calidad posible. Un buen videobook ha de parecer profesional, sonar profesional y generar en el espectador el deseo de seguir viendo más.
 
Los software de montaje más modernos trabajan más o menos con los mismos tipos de archivo para todas las plataformas. A menos que te estés editando a ti mismo, no tienes porqué preocuparte por esto. De lo que si tienes que ser consciente es del formato del material que quieres utilizar en montaje. No quiero aburrirte con detalles de formatos de archivo. Lo que haré será contarte brevemente qué tipo de material es o no aconsejable utilizar. Afortunadamente, conseguir una copia de tu material en buena calidad es ahora más fácil que nunca. Los formatos que más convienen para editar son: 
 
Material original sin editar con cinta mini DV.
(Esta es justamente la cinta que estaba en la cámara durante el rodaje. Como puedes imaginar, normalmente es casi imposible conseguirla).
 
Cinta mini DV de un cortometraje, una serie de TV, etc. El material se ha grabado en una cinta directamente desde el ordenador de montaje.
(Pongamos por ejemplo que el editor tiene el cortometraje en la pantalla de su ordenador. Lo que hace es tan solo darle a reproducir y a grabar. Normalmente tendrás que hablar directamente con el editor del material para que te lo haga. Curiosamente esto es más rápido de hacer que crear una copia en dvd y, además, la calidad será mejor puesto que no se realiza ningún tipo de compresión).
 
Un archivo de video exportado directamente desde el ordenador de montaje y guardado en un DVD. 
(Esto está bien, el archivo real tiene un formato completo, cualquier editor sabrá volcarlo en su trabajo y empezar a editar de inmediato sin necesidad de capturar. Le ahorras mucho tiempo y tiempo es, sin duda, dinero. Necesitarás que el editor del trabajo original te grabe el archivo en un disco. Recuerda, aprovecha para hacer amigos en los rodajes. A la gente le suele gustar ayudar fuera del trabajo a otras personas con las que han empatizado).
 
DVD
(Todo el mundo cree que el DVD ofrece la más alta calidad que se conoce. Si pensamos en el VHS esta afirmación podría parecer cierta. Sin embargo, el DVD es un formato “comprimido” lo que hace que, a menudo, pueda perderse información y se genere por ende una degradación de la imagen. El tamaño real de un vídeo con calidad absoluta es mayor de lo que podemos almacenar en un dvd, por lo que los archivos de vídeo se comprimen y tu reproductor de dvd decodifica el sonido y la imagen en tiempo real. 
El DVD es aún quizás lo más fácil de pedir, lo más barato de hacer y el medio más fiable para almacenar tu material).
 
Debemos evitar:
Cintas VHS
(En comparación con los formatos digitales más modernos, la calidad VHS pierde terreno hoy día. Además, hoy muchos editores no tienen la posibilidad de capturar directamente desde VHS, por lo que tienen que hacer una copia en una cinta mini DV y capturar desde ahí).
 
VCD: Video CD (Este tipo de formato procedente de los años 90 y solo compatible con pcs y reproductores baratos de dvd. La calidad es necesariamente menos puesto que en su lugar de ajustar el vídeo a los 4.8 Gigabytes de un DVD lo que hacen es comprimir los archivos para adaptarlo a un CD de 700 Megabytes. Recuerda que tenemos que hacer un DVD que sea lo más compatible posible).
 
Otros formatos
 
Cintas U-matic
Digi Beta
Betacam
Y otros formatos profesionales
¿Por qué no quieres estos formatos? Bueno, pues a menos que quieras pagar 120 euros la hora por una sala de montaje completamente equipada y un editor, mi recomendación es que hagas una transferencia a cintas, tal y como se hace a una cinta mini DV. Por otro lado, los aparatos que se necesitan para tan solo reproducir estas cintas cuesta alrededor de 45.000 euros y la mayoría de realizadores no recurrirían a ellos hoy en día.
Estos formatos se siguen usando debido a su estabilidad y resistencia y, especialmente, por su fiabilidad.
 
Todo esto puede sonar muy complicado, y de hecho puede serlo. No obstante, tu editor te sabrá decir con qué tipo de material puede trabajar. Si tienes dudas, pide consejo a alguien que entienda de montaje ya que por lo general te contará encantado todo lo que sabe al respecto. 


(continuará …)
 
Scott Cleverdon 
VicePresidente Fundación de Interpretación Cinematográfica first team

 

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FOOD FOR THOUGHT / COMIDA PARA PENSAR

Recientemente, España ha sido eliminada de la lista negra del MPAA sobre la piratería.
El hecho de ser considerada una nación “rebelde”, relegada a las sombras, muestra claramente no sólo el amor que siente nuestro país en obtener algo gratis, sino también el hambre que la población tiene por ver cine o televisión,  oír música y pasar el tiempo con vídeo-juegos.

Y no creo que sea una coincidencia que usemos palabras como hambre, consumo, apetito o gusto cuando estamos hablando de entretenimiento. Es, literalmente, (y elijo esta palabra, frecuentemente usada con precaución) algo que queremos obtener porque nos ofrece algún tipo de sustento.

La gran contradicción es que aquí en España, famosa por su jamón, su vino, sus chefs y sus restaurantes famosos, los “cocineros” que guisan el cine y la televisión, se contentan con la preparación de “platos” cinematográficos que pocas personas desean consumir.
Comida para pensar


El razonamiento ha sido durante mucho tiempo que la originalidad es más importante que el éxito financiero, las películas van a las fiestas del cine y a veces ganan premios y algunas, muy pocas, tienen éxito internacional. El público ha reaccionado del mismo modo. Se siente cada vez más incómodo con los créditos sin fin que aparecen antes de una película: Ministerio de Cultura, Junta de Andalucía, Generalitat de Cataluña, Xunta de Galicia, TVE, etc., etc. Como me dijo un amigo mío: hace dos días el público en el cine comenzó a abuchear al ver tanto crédito oficial y alguien gritó: “ya hemos pagado por esta película y ahora estamos pagando otra vez”.

El negocio debería estar basado en una idea, producto o servicio que alguien pudiera encontrar útil, agradable o necesario. Sin embargo, cuando todo el negocio se basa en la recolección de los subsidios y la búsqueda de atajos en todos los aspectos del proceso, el producto es menos importante. El cine español ha sido, durante demasiado tiempo, un restaurante boutique con una sola mesa y una sola silla y una cocina llena de cocineros que producen platos, sólo por ser diferentes.
Hay muchas excepciones, pero estas excepciones abandonan el país rápidamente o se convierten en iconos nacionales. Claro que el objetivo puede ser para muchos tratar de ser Ferran Adriá, pero primero tienes que aprender cómo hervir el huevo. Ahora puedes estar pensando que lo que sugiero es que nuestro cine debe aspirar a tener cocineros de comida rápida.

No precisamente, pero para volver al cine, ¿por qué la gente quiere producir películas en primer lugar? ¿Para entretener? ¿Para ilustrar/iluminar? ¿Para ganar premios? ¿Para ser original? ¿Para ser inteligente? ¿Por qué vemos películas? ¿Y por qué vemos tantas películas? ¿Por qué tantas personas se apresuran a ver las películas de los “Estados Unidos con éxitos en taquilla”? ¿Por qué todo el mundo sabe quién es George Clooney, pero la mayoría probablemente no podría decir quién ganó el Premio Goya de este año al mejor actor y mucho menos la película en la que actuaba?

El público que va al cine necesita sustento. Se ha convertido en una necesidad humana básica. Si tenemos hambre, no es normal ir a un restaurante Michelín con 5 estrellas, ni tampoco significa que solamos ir al Mcdonalds. Aquí en España, el jamón, el vino y los ingredientes son extraordinarios. Se puede comer como un rey. De hecho comer con la misma calidad costaría una fortuna en otros países. Los españoles no saben los afortunados que son hasta que comen en el extranjero (yo soy de Escocia, confía en mí, lo sé). En el cine pagas de antemano. La piratería es vista por muchos desgraciadamente, como una evolución lógica de la práctica que se aplica a películas, televisión y música. Los españoles, especialmente los que se sientan en la oscuridad abucheando los logotipos de las entidades que han otorgado subvenciones, han tenido demasiadas malas cenas y, a sus ojos, han tenido que pagar por ellas dos veces.

Spielberg dijo una vez que una película es como una hamburguesa y que él sólo trata de hacer la mejor hamburguesa jamás hecha. La tortilla española es algo que todo el mundo ha probado, puede ser buena o mala y puede hacerse con una tonelada de ingredientes diferentes. La única cosa es que, cuando está bien hecha a mano, para una cena más exigente, es algo que todo el mundo puede disfrutar y es algo que representa, a través de su elegancia y complejidad, algo que es esencialmente español. 

Scott Cleverdon 
VicePresidente Fundación de Interpretación Cinematográfica first team





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La Fundación First Team en AULA

La Fundación First Team de Assumpta Serna estará en AULA, la Feria de educación más importante del país
 
Ø  La escuela cinematográfica de Assumpta Serna, First Team, contará con 2 stands, uno en AULA y otro en el Foro de Postgrado
Ø  Es la primera vez que First Team participa en la feria de educación más importante a nivel estatal promovida por el Ministerio de Educación
Ø  First Team es una fundación sin ánimo de lucro presidida por Assumpta Serna desde hace 11 años y que se dedica a la formación continua para actores, directores, guionistas, etc.
Ø  En esta Feria, First Team presentará su completa oferta formativa relacionada con la interpretación cinematográfica y todos sus programas dedicados a la formación exhaustiva de los actores
Ø  Assumpta Serna y sus alumnos, además, revelarán una importante novedad en el ámbito de los Postgrados el próximo sábado con una fiesta sorpresa
 
Madrid, 22 de febrero de 2012.- Assumpta Serna es una de las actrices españolas más reconocidas por el gran público. Pero no todo el mundo sabe que, desde hace 11 años, preside junto a su marido, Scott Cleverdon, la Fundación First Team, dedicada a la formación más exhaustiva de actores, directores, guionistas, etc. en el ámbito de la interpretación cinematográfica.
Desde hoy y hasta el domingo, su escuela cinematográfica, First Team, estará presente con 2 stands en el Salón Internacional del Estudiante y de la Oferta Educativa, AULA, que inaugura hoy S.A.R. La Infanta Elena.
Durante estos días, Assumpta Serna estará personalmente en la Feria para ofrecer información sobre la completa oferta formativa de que dispone First Team. Ofrecen una extensa variedad de cursos en el contexto de la formación más exhaustiva de futuros actores, directores, guionistas, etc., como “Estudios superiores en Interpretación audiovisual”, “Práctica de Interpretación en cámara”, “Iniciación a la interpretación en cámara”, “Acting in English” o “Iniciación a la técnica audiovisual”, entre otros.
Además, First Team es la única escuela cinematográfica que imparte, en colaboración con la Universidad Rey Juan Carlos, el postgrado de Especialista Universitario en Interpretación Cinematográfica, única titulación de postgrado universitario oficial en este ámbito.

Una sorpresa que se revelará el sábado
La zona de la Feria dedicada exclusivamente a los postgrados, el Foro de Postgrado, y que se inaugura mañana jueves 23 de febrero, contará también con la presencia de First Team en un stand propio.
En este contexto, Assumpta Serna y sus alumnos se reservan una sorpresa muy especial que será revelada el sábado. En el contexto de la formación en postgrado, First Team tiene algo muy importante que comunicar y que se hará público el sábado de una forma muy original.
Acerca de First Team
First Team es una Fundación sin ánimo de lucro presidida por Assumpta Serna y su marido, Scott Cleverdon. Desde hace 11 años es referente en el sector cinematográfico, tanto en España como internacionalmente.
Nació como un proyecto para cineastas hecho por cineastas. Los profesores y los miembros de First Team trabajan para lograr el objetivo de formar y elevar el prestigio de la profesión de actor, y equiparar su formación a la de otros gremios del sector audiovisual.
Por eso, desde hace más de una década First Team respalda nuevas iniciativas y difunde su principal aportación en materia de formación al sector audiovisual: la formación pionera en Interpretación Cinematográfica en seis países.
Su Comité de Honor está compuesto por 30 prestigiosos profesionales, entre otros por Philip Noyce (presidente), Emma Thompson, Bigas Luna, Paco León, Eduard Fernández o Antonio Saura, entre otros.
Todas las clases se imparten en las dependencias de la Fundación First Team (CC Puerta de Toledo) donde los alumnos cuentan con plató con decorados reales para realizar sus prácticas de rodaje; equipos de última generación para el montaje y la producción y profesorado cualificado. Todo ello dirigido por Assumpta Serna.
Los interesados en cualquiera de los programas formativos de First Team pueden  contactar en el teléfono 913668800 o en la web www.fundacionfirstteam.org
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LOS GUARDIANES DEL TEMPLE con Rocío Gama

Rocío Gama, una de nuestras actrices, que realizó el pasado Curso de Especialista Universitario en Interpretación, acaba de rodar como coprotagonista el primer capítulo de la serie Los Guardianes del Temple dirigida por Marcos Moreno.
La actriz ha querido compartir parte de sus experiencias en nuestro blog:

“Con First Team aprendí que la interpretación requiere también unos elementos técnicos que resultan imprescindibles en un rodaje”
“Cuando llegué al set de rodaje el primer día recuerdo que me sentí segura y tranquila. Interpretar un papel requiere unos elementos técnicos que también resulta imprescindibles conocer.

Después de haber estado preparando la creación de tu personaje, de documentarte, de hablar con el director y otros actores, cuando ya estás maquillada y entras en el set, hay muchos elementos que acabarán influyendo en la interpretación.

Es importante conocer, por ejemplo, los tipos de planos de cada secuencia y la ubicación de la cámara para sacar provecho a tu interpretación. Haber practicado el uso de marcas también te da tranquilidad. conocer bien la tarea de cada una de las personas del equipo te ayuda a que el rodaje sea más ágil y a moverte con soltura en el set. También es importante aprender a interpretar memorizando las acciones que has hecho para evitar fallos de racord y facilitar la tarea del script.

En First Team aprendimos que todos estos elementos acaban siendo muy importante saber manejarlos con soltura porque te permiten centrarte en la interpretación.
Quiero agradecerle al equipo de profesores de First Team, y especialmente a Assumpta y a Scott, su cariño, su apoyo y que hayan compartido con nosotros su experiencia. En los momentos más difíciles del rodaje sus enseñanzas me dieron seguridad y me empujaron a salir adelante.”

Rocio Gama.
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