Warning: array_merge(): Argument #2 is not an array in /usr/home/fundacionfirstteam.org/web/wp/wp-includes/widgets.php on line 546 Blog fundación first team – Página 8 – Fundación Internacional firstteam

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Enrique Urbizu No es lo mismo RODAR que DIRIGIR

El pasado martes día 12 de junio,  recibimos con entusiasmo la Master Clase ofrecida por Enrique Urbizu en la sede de la Fundación first team
Enrique Urbizu, director de la gran galardonada de los Premios Goya de la pasada edición, “No habrá paz par los malvados”, es además profesor en la Universidad Carlos III de 3º de Grado en Comunicación Audiovisual en la asignatura “Puesta en Escena”, y además imparte Dirección en la ECAM.
Enrique Urbizu Desde el primer momento, dejó bien claro que nos iba a hablar de Rodar y Dirigir, dos partes de su oficio aparentemente parecidas pero que tienen distintas concepciones.
  • ¿Dónde se aprende mejor?
La Master Class empezó con el curioso debate de siempre: ¿se aprende mejor en la Universidad, donde únicamente se imparten los conocimientos teóricos, o realmente se aprende con la puesta en  práctica? Hablamos, obviamente, de a lo que se dedica el director, DIRIGIR. Según Urbizu, un alumno universitario aprende todos los conceptos de la teoría del cine en la universidad, pero realmente, a efectos prácticos, cuando se aprende de verdad a dirigir es cuando decides ponerte a ello y lo pones en práctica. Es necesario realizar talleres prácticos o trabajos profesionales.
  • La misión del Director de Cine
La misión del director de cine es asumir el trabajo de todo el equipo de rodaje, de todo ese conglomerado humano que se forma en el plató. Urbizu se refiere a que un director es el encargado de dar forma a la película, pero previamente tiene que haber una IDEA anteriormente fijada y trabajar sobre ella, y eso se consigue con un buen equipo.
Enrique Urbizu y first team

 

Esa idea previa es el GUIÓN. Pero con el guión únicamente tenemos a una serie de personajes a los que les ocurren cosas. La misión del director es dialogar / juzgar a esos personajes y que así es como verdaderamente se va narrando y se va ilustrando lo que acaba definiendo los aspectos formales de la película.
“La reflexión sobre nuestros personajes, sobre cómo vamos a reconstruir nuestro relato cinematográfico es un proceso largo que va tomando forma a lo largo del proceso de producción”, dice el director.
  • Rodar y dirigir: la parte más o menos creativa
Es decir, el lenguaje cinematográfico (o lenguaje clásico del cine, como prefiere mencionarlo) tiene una herramienta clave y la más sencilla de todas: LOS PLANOS
“Los planos nos permiten articular una gramática funcional que nos permite remarcar cualquier situación convencional”
El cine es un lenguaje apasionante, que tiene normas muy básicas, asimilables en poco tiempo”
Aparte del lenguaje cinematográfico, otra de las cosas que más parece preocupar al director, porque ha de ser una de las características imprescindibles de todo aquel que pretenda dirigir algo en su vida, es que tiene que tener un gran interés por el SER HUMANO. “La verdadera materia prima del cine es la vida de la gente, te tiene que interesar lo que pasa a tu alrededor”, nos dice el director, añadiendo que las luces, las sombras, los plano/contraplano… son “complementos” de la película que van surgiendo solos, no tienes que planificarlos. Lo que tienes que tener muy claro es el interés por la vida humana y lo que pasa a su alrededor.

 

  • No es lo mismo RODAR que DIRIGIR
Una de las cosas en las que Urbizu insitió durante la Master Clase fue la diferencia entre estos dos conceptos.
Matiza que la acción de “rodar” puede realizarla cualquier persona en cualquier momento (grabar a tu hijo en el parque, con tus amigos…es la acción misma de RODAR) pero DIRIGIR implica un punto de vista personal sobre las cosas. Cuando estás dirigiendo estás pensando en cómo se va a ver, cómo quieres que lo vean, que quieres transmitir. No nos basamos en la acción de rodar, sino en ponerle sentimiento.
  • La importancia de la formación del cineasta
Nombrando a Griffith y a Stanley Kubrick y, retomando la idea de que un director intenta mostrar a través de lo que dirige lo que pretende que la gente vea de la forma que el quiere, nos comenta la gran importancia que tiene para un director conocer y saber de todo lo que le rodea.
Nos pone el ejempo de Griffith, un director que vivió una época en la que no se tenía la facilidad de viajar del mismo modo que lo podemos hacer ahora, por lo que su percepción del mundo y su manera de expresarlo se aprecian en su trabajo.
En cambio, un director europeo más adelantado en su tiempo, como Stanley Kubrick, una persona que ha viajado, ha visto mundo, ha podido conocer diferentes culturas, países… a la hora de dirigir podrá mostrarnos con un punto de vista más lleno de cultura, lo que nos quiere decir con sus películas.

 

Es decir, que debemos conocer el mundo, saber de él, tener una formación amplia en todos los aspectos y conocer y tener un buen control, sobre todo, del material cinematográfico que nos rodea.
“Cuánto más conozcamos nuestra materia, nuestro lenguaje, mayor confianza, y por lo tanto, mayor libertad tendremos para hacer nuestra película”
  • La relación con los actores
Para finalizar el coloquio, Urbizu nos hace mención de un tema que atrae especialmente el interés de los alumnos de first team: la relación  entre el director y el actor.
Según él, los actores son la parte menos valorada. Dirigir atores tiene que ver con la empatía de la que hablaba antes. Porque, si lo que hay delante de la cámara está mal organizado (haciendo referencia a que los ensayos no están preparados) hay que olvidarse de grabar algo en condiciones. “Hasta que el ensayo de los actores no sea bueno, date por perdido”.
Urbizu aconseja que los actores, al tener un generoso “abanico”  de emociones, la labor del director es acotar y dirigir esas sensaciones que el propio actor te va otorgando y llevarle por el camino que tú deseas que muestre ante la cámara.
“Para dirigir actores tienes que tener confianza en ti y confianza en ellos” 
  • El cajón del cineasta
Quiso hacer un breve resumen de todas las partes que debe tener un director de su Master Class:
· Tener un punto de vista personal
· Dominar las herramientas del lenguaje audiovisual
· Conocer y dominar las herramientas del sonido (el silencio y la voz humana, las más importantes)
· El montaje y los signos de puntuación
· Saber trabajar en equipo
Podemos decir que las herramientas fundamentales de un cineasta para poder tener control sobre la puesta en escena de una película básicamente son el RITMO, el SONIDO y la IMAGEN.
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El Cine en España – Abril 2012

Ya tenemos las cifras del cine en España de este pasado mes de Abril gracias a nuestros amigos de MRC, media research & consultancy.


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FOOD FOR THOUGH / COMIDA PARA PENSAR

Recientemente, España ha sido eliminada de la lista negra del MPAA sobre la piratería.
El hecho de ser considerada una nación “rebelde”, relegada a las sombras, muestra claramente no sólo el amor que siente nuestro país en obtener algo gratis, sino también el hambre que la población tiene por ver cine o televisión,  oír música y pasar el tiempo con vídeo-juegos.

Y no creo que sea una coincidencia que usemos palabras como hambre, consumo, apetito o gusto cuando estamos hablando de entretenimiento. Es, literalmente, (y elijo esta palabra, frecuentemente usada con precaución) algo que queremos obtener porque nos ofrece algún tipo de sustento.

La gran contradicción es que aquí en España, famosa por su jamón, su vino, sus chefs y sus restaurantes famosos, los “cocineros” que guisan el cine y la televisión, se contentan con la preparación de “platos” cinematográficos que pocas personas desean consumir.
Comida para pensar


El razonamiento ha sido durante mucho tiempo que la originalidad es más importante que el éxito financiero, las películas van a las fiestas del cine y a veces ganan premios y algunas, muy pocas, tienen éxito internacional. El público ha reaccionado del mismo modo. Se siente cada vez más incómodo con los créditos sin fin que aparecen antes de una película: Ministerio de Cultura, Junta de Andalucía, Generalitat de Cataluña, Xunta de Galicia, TVE, etc., etc. Como me dijo un amigo mío: hace dos días el público en el cine comenzó a abuchear al ver tanto crédito oficial y alguien gritó: “ya hemos pagado por esta película y ahora estamos pagando otra vez”.

El negocio debería estar basado en una idea, producto o servicio que alguien pudiera encontrar útil, agradable o necesario. Sin embargo, cuando todo el negocio se basa en la recolección de los subsidios y la búsqueda de atajos en todos los aspectos del proceso, el producto es menos importante. El cine español ha sido, durante demasiado tiempo, un restaurante boutique con una sola mesa y una sola silla y una cocina llena de cocineros que producen platos, sólo por ser diferentes.
Hay muchas excepciones, pero estas excepciones abandonan el país rápidamente o se convierten en iconos nacionales. Claro que el objetivo puede ser para muchos tratar de ser Ferran Adriá, pero primero tienes que aprender cómo hervir el huevo. Ahora puedes estar pensando que lo que sugiero es que nuestro cine debe aspirar a tener cocineros de comida rápida.

No precisamente, pero para volver al cine, ¿por qué la gente quiere producir películas en primer lugar? ¿Para entretener? ¿Para ilustrar/iluminar? ¿Para ganar premios? ¿Para ser original? ¿Para ser inteligente? ¿Por qué vemos películas? ¿Y por qué vemos tantas películas? ¿Por qué tantas personas se apresuran a ver las películas de los “Estados Unidos con éxitos en taquilla”? ¿Por qué todo el mundo sabe quién es George Clooney, pero la mayoría probablemente no podría decir quién ganó el Premio Goya de este año al mejor actor y mucho menos la película en la que actuaba?

El público que va al cine necesita sustento. Se ha convertido en una necesidad humana básica. Si tenemos hambre, no es normal ir a un restaurante Michelín con 5 estrellas, ni tampoco significa que solamos ir al Mcdonalds. Aquí en España, el jamón, el vino y los ingredientes son extraordinarios. Se puede comer como un rey. De hecho comer con la misma calidad costaría una fortuna en otros países. Los españoles no saben los afortunados que son hasta que comen en el extranjero (yo soy de Escocia, confía en mí, lo sé). En el cine pagas de antemano. La piratería es vista por muchos desgraciadamente, como una evolución lógica de la práctica que se aplica a películas, televisión y música. Los españoles, especialmente los que se sientan en la oscuridad abucheando los logotipos de las entidades que han otorgado subvenciones, han tenido demasiadas malas cenas y, a sus ojos, han tenido que pagar por ellas dos veces.

Spielberg dijo una vez que una película es como una hamburguesa y que él sólo trata de hacer la mejor hamburguesa jamás hecha. La tortilla española es algo que todo el mundo ha probado, puede ser buena o mala y puede hacerse con una tonelada de ingredientes diferentes. La única cosa es que, cuando está bien hecha a mano, para una cena más exigente, es algo que todo el mundo puede disfrutar y es algo que representa, a través de su elegancia y complejidad, algo que es esencialmente español. 

Scott Cleverdon 
VicePresidente Fundación de Interpretación Cinematográfica first team





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Los del cine: ROJOS O GOLFOS

cine español ICAA Fapae Fundación first teamRojos o golfos” esa es la percepción que tiene el público sobre los profesionales del cine español, así lo resumió Pedro Pérez. Fueron unas de las pocas risas agridulces del acto de reflexión sobre el cine español del pasado viernes en la Academia de cine. Hay mucho ruido en la prensa y entre nuestro sector sobre la situación futura del cine español.

Cíclicamente, hemos oído hablar de crisis del cine desde los años 80. Pero ahora los profesionales parecen sumidos en un mar de confusión, rodeados de inactividad con sólo 17 películas hechas en el primer semestre del año. Los alumnos de la Fundación first team, institución sin ánimo de lucro que presido, jóvenes cineastas, temen y con razón, por su futuro.

El 13 de Abril, el ICAA (Instituto de Cinematografía y de las Artes Audiovisuales) convocó las ayudas del 2012 con recortes presupuestarios del 35%. Podéis estudiarlas en este enlace. Becas, ayudas y subvenciones. 

A esta situación difícil hay que sumar las deudas que el Ministerio de Cultura tiene con los productores de las películas que se estrenaron en el año 2010. ¿Se va a seguir haciendo cine en España?

Es por ello necesario que ahora, más que nunca, nos apliquemos para formarnos en profundidad y poder así desarrollar una opinión documentada, profesional y racional sobre la situación. Las cifras más fiables que poseemos sobre la producción del cine español son las que publica FAPAE  y las del Ministerio de Cultura,

También podéis obtener información sobre la situación en los flash de la consultora MRC que os ofrecemos  cada trimestre a través de nuestro blog.

Si no estás interesado en lo que acabo de escribir, seguramente eres parte del problema del cine español. Toda la información que existe sobre la situación de nuestro cine, es de libre acceso al público, pero reconozco que yo también soy culpable porque en el día a día, no quiero conocer profundamente la historia, sólo me paro a leer los titulares.

“ICAA informa que el modelo de la película que va a subvencionar a partir de ahora es Torrente 4”. ¿He llamado tu atención? “Trabajadores de todos los sectores del cine sin empleo: un productor se pelea con un actor para conseguir un trabajo de camarero”. ¿Sabes de lo que estoy hablando? “En el año 2012 se han producido solo 30 películas en vez de las 100”. Claro que esto no es cierto, pero ¿qué parte la consideras creíble? ¿Por qué solo leemos los titulares y no nos comprometemos a estudiar un proceso que afecta directamente a nuestro futuro profesional? ¿Por qué la prensa sólo se hace eco de las noticias negativas sobre nuestro cine?

Como espectadores y asistentes al acto del pasado viernes 4 de Mayo exclusivo para los profesionales académicos en el que participaron Susana de la Sierra, Directora general del ICAA y Pedro Pérez, Presidente de FAPAE, la federación de productores de España, os quiero informar de algunos puntos citados en el acto y de otros que consideramos importantes y que impulsamos desde la Fundación.

En el acto, tanto la Directora General como José Garasino, Director General  de la Academia de Cine desde Febrero 2011, citaron que se había realizado un informe: “Cine español: el estado de la cuestión”. Podéis estudiarlo en profundidad pinchando en este enlace.

Desde el blog de la Comunidad first team, hacemos un llamamiento a todos nuestros seguidores y a los miembros de la Fundación first team para dar eco a esta iniciativa con todos vuestros comentarios – por e-mail o a través de las redes sociales de first team Facebook, Twitter , Linkedin o Tuenti o publicándolos aquí – y poderlo trasladar a los organismos pertinentes. Al leer el informe, veréis que se apuntan soluciones interesantes, como la iniciativa o recomendación de iniciar una plataforma intersectorial para tratar de contribuir a una mejora de la situación actual de nuestro cine en un proceso que como bien dice el Presidente de la Academia de Cine, Enrique González Macho, acaba de empezar, animando a colaborar a todos los actores del sector.

Ya sabéis lo importante que es para la Fundación first team que los actores y todos los colectivos del sector audiovisual, hagamos buen cine, de manera ética, estableciendo criterios de calidad en todo el proceso de producción, distribución y exhibición de nuestras obras audiovisuales. Es importante que lo hagamos mejor.  Que nos quitemos esa imagen de falta de calidad del cine español y esa otra tan perjudicial para el tejido industrial de nuestro cine, la de “rojos o golfos”, (palabras acertadísimas de Pedro Pérez), para sustituirla por la percepción del público de una imagen profesional y empresarial. Todos los profesionales, tenemos la responsabilidad de comunicar una imagen positiva del cine español simplemente viendo cuanto mas cine español mejor y formándonos en cómo hacer mejor nuestro cine.

Debemos hacer que nuestras perspectivas se aproximen y se concentren para lograr unos objetivos comunes aunque las opiniones sean distintas y a veces algunos intereses estén contrapuestos. Todos los colectivos creativos que están representados en el grupo first team, deberíamos colaborar con nuestro grano de arena impulsando un trabajo bien hecho y con ética profesional. 1500 jóvenes directores, guionistas, actores, productores formados en first team… Precisamente por esto, en el momento actual, los actores el colectivo mayoritario en first team, también debemos informarnos a fondo y con responsabilidad, porque somos los embajadores entre la idea y el público, comunicadores por excelencia. La salud del cine requiere que todos tengamos una documentada exposición sobre la situación, así como la certeza de que, entre todos y gracias a nuestra voluntad personal, podemos apuntar soluciones.

Los profesionales y las empresas españolas somos responsables de la producción y promoción de nuestro cine, por ello debemos ser capaces de exponer los motivos de la situación a través de un maduro proceso de autocrítica para entender mejor el presente y aprovechar los errores del pasado para construir un mejor futuro, del que somos todos responsables. Debemos saber reflexionar sobre los criterios de calidad de nuestro cine (que no son lo que a mí me gusta, sino lo que funciona…). La formación de todos los profesionales del sector es necesaria para ampliar el criterio personal y contribuir a un diálogo necesario entre todos, con opiniones mejor formadas desde todos los colectivos y en definitiva una imagen más unificada de nuestra profesión.

Los profesionales carecemos de información y de formación continua que nos permita gestionar adecuadamente nuestras propias empresas y carreras con éxito empresarial. La situación actual, nos lleva a considerar sí o sí el cine como industria y, para ello, es recomendable y necesario que todos los colectivos del sector tengamos una formación empresarial y de gestión que contribuya a mejorar el tejido industrial que nuestro sector necesita.

Hemos de  escuchar a los colectivos de nuestro sector y a nuestro público, ganar seguidores en segmentos de nuestra sociedad, que pueden llegar a ser espectadores fieles y numerosos si se les acerca al proceso de comunicación audiovisual desde su formación, en las escuelas, pero también en su formación continua profesional.

Los fundadores de first team, creemos que se debe impulsar la ley de mecenazgo no solo porque creemos que es muy útil a la industria, sino que es su complemento necesario. Es vital ampliar la ley de mecenazgo para que permita a entidades financieras interesadas en nuestro cine, apoyar decididamente la formación a través de las escuelas y organizaciones sin ánimo de lucro.

Como la fundación first team, que promueve objetivos de interés común como la formación continua de diversos colectivos del audiovisual con objetivos de excelencia y con una visión empresarial e internacional. Una Fundación que promueve el código de ética de los actores en el audiovisual.

Organicémonos con transparencia para que las entidades de gestión de los derechos de propiedad intelectual no se mantengan de espaldas a sus miembros y puedan, en estos tiempos difíciles, respaldar las iniciativas de entidades profesionales de formación, asistir mejor a sus miembros con fondos de financiación para la promoción de las obras audiovisuales realizadas, y acciones de búsqueda de excelencia y de interés común a los miembros que representan.

Os animo a colaborar, con nuestra dedicación, a estudiar el estado de nuestro cine, a comunicar lo que sabemos y no decimos y a estudiar profunda y ampliamente la situación.  No dejemos de lado a personas y público que quieren ofrecer soluciones a nuestro sector. Escuchemos a todos los colectivos del sector.

Al público, el ruido sin armonía no le funciona, pero tenemos la certeza de que el silencio le ayuda mucho menos. El cine es una herramienta cultural y en España debe ser considerado como una industria seria, hecha por profesionales preparados y adaptados a la nueva situación del cine y de todos sus medios de distribución.

Entre todos hemos de encontrar mejores propuestas y mejores y nuevos modelos de negocio. Si quieres ayudar al proceso de cambio de nuestro cine, puedes publicar tu comentario aquí. Utiliza un seudónimo si quieres, pero expresa tu opinión. Asiste al debate que sobre cine español vamos a promover próximamente desde la Fundación.

Assumpta Serna
Presidenta Fundación de Interpretación Cinematográfica first team
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“ROJOS O GOLFOS”


cine español ICAA Fapae Fundación first teamRojos o golfos” esa es la percepción que tiene el público sobre los profesionales del cine español, así lo resumió Pedro Pérez. Fueron unas de las pocas risas agridulces del acto de reflexión sobre el cine español del pasado viernes en la Academia de cine. Hay mucho ruido en la prensa y entre nuestro sector sobre la situación futura del cine español.

Cíclicamente, hemos oído hablar de crisis del cine desde los años 80. Pero ahora los profesionales parecen sumidos en un mar de confusión, rodeados de inactividad con sólo 17 películas hechas en el primer semestre del año. Los alumnos de la Fundación first team, institución sin ánimo de lucro que presido, jóvenes cineastas, temen y con razón, por su futuro.

El 13 de Abril, el ICAA (Instituto de Cinematografía y de las Artes Audiovisuales
) convocó las ayudas del 2012 con recortes presupuestarios del 35%. Podéis estudiarlas en este enlace. Becas, ayudas y subvenciones. 

A esta situación difícil hay que sumar las deudas que el Ministerio de Cultura tiene con los productores de las películas que se estrenaron en el año 2010. ¿Se va a seguir haciendo cine en España?

Es por ello necesario que ahora, más que nunca, nos apliquemos para formarnos en profundidad y poder
así desarrollar una opinión documentada, profesional y racional sobre la situación. Las cifras más fiables que poseemos sobre la producción del cine español son las que publica FAPAE  y las del Ministerio de Cultura,

También podéis obtener información sobre la situación en los flash de la consultora MRC que os ofrecemos  cada trimestre a través de nuestro blog.
 
Si no estás interesado en lo que acabo de escribir, seguramente eres parte del problema del cine español. Toda la información que existe sobre la situación de nuestro cine, es de libre acceso al público, pero reconozco que yo también soy culpable porque en el día a día, no quiero conocer profundamente la historia, sólo me paro a leer los titulares.

“ICAA informa que el modelo de la película que va a subvencionar a partir de ahora es Torrente 4”. ¿He llamado tu atención? “Trabajadores de todos los sectores del cine sin empleo: un productor se pelea con un actor para conseguir un trabajo de camarero”. ¿Sabes de lo que estoy hablando? “En el año 2012 se han producido solo 30 películas en vez de las 100”. Claro que esto no es cierto, pero ¿qué parte la consideras creíble? ¿Por qué solo leemos los titulares y no nos comprometemos a estudiar un proceso que afecta directamente a nuestro futuro profesional? ¿Por qué la prensa sólo se hace eco de las noticias negativas sobre nuestro cine?

Como espectadores y asistentes al acto del pasado viernes 4 de Mayo exclusivo para los profesionales académicos en el que participaron Susana de la Sierra, Directora general del ICAA y Pedro Pérez, Presidente de FAPAE, la federación de productores de España, os quiero informar de algunos puntos citados en el acto y de otros que consideramos importantes y que impulsamos desde la Fundación.

En el acto, tanto la Directora General como José Garasino, Director General  de la Academia de Cine desde Febrero 2011, citaron que se había realizado un informe: “Cine español: el estado de la cuestión”. Podéis estudiarlo en profundidad pinchando en este enlace.

Desde el blog de la Comunidad first team, hacemos un llamamiento a todos nuestros seguidores y a los miembros de la Fundación first team para dar eco a esta iniciativa con todos vuestros comentarios – por e-mail o a través de las redes sociales de first team Facebook, Twitter , Linkedin o Tuenti o publicándolos aquí – y poderlo trasladar a los organismos pertinentes. Al leer el informe, veréis que se apuntan soluciones interesantes, como la iniciativa o recomendación de iniciar una plataforma intersectorial para tratar de contribuir a una mejora de la situación actual de nuestro cine en un proceso que como bien dice el Presidente de la Academia de Cine, Enrique González Macho, acaba de empezar, animando a colaborar a todos los actores del sector.

Ya sabéis lo importante que es para la Fundación first team que los actores y todos los colectivos del sector audiovisual, hagamos buen cine, de manera ética, estableciendo criterios de calidad en todo el proceso de producción, distribución y exhibición de nuestras obras audiovisuales. Es importante que lo hagamos mejor.  Que nos quitemos esa imagen de falta de calidad del cine español y esa otra tan perjudicial para el tejido industrial de nuestro cine, la de “rojos o golfos”, (palabras acertadísimas de Pedro Pérez), para sustituirla por la percepción del público de una imagen profesional y empresarial. Todos los profesionales, tenemos la responsabilidad de comunicar una imagen positiva del cine español simplemente viendo cuanto mas cine español mejor y formándonos en cómo hacer mejor nuestro cine.

Debemos hacer que nuestras perspectivas se aproximen y se concentren para lograr unos objetivos comunes aunque las opiniones sean distintas y a veces algunos intereses estén contrapuestos. Todos los colectivos creativos que están representados en el grupo first team, deberíamos colaborar con nuestro grano de arena impulsando un trabajo bien hecho y con ética profesional. 1500 jóvenes directores, guionistas, actores, productores formados en first team… Precisamente por esto, en el momento actual, los actores el colectivo mayoritario en first team, también debemos informarnos a fondo y con responsabilidad, porque somos los embajadores entre la idea y el público, comunicadores por excelencia. La salud del cine requiere que todos tengamos una documentada exposición sobre la situación, así como la certeza de que, entre todos y gracias a nuestra voluntad personal, podemos apuntar soluciones.

Los profesionales y las empresas españolas somos responsables de la producción y promoción de nuestro cine, por ello debemos ser capaces de exponer los motivos de la situación a través de un maduro proceso de autocrítica para entender mejor el presente y aprovechar los errores del pasado para construir un mejor futuro, del que somos todos responsables. Debemos saber reflexionar sobre los criterios de calidad de nuestro cine (que no son lo que a mí me gusta, sino lo que funciona…). La formación de todos los profesionales del sector es necesaria para ampliar el criterio personal y contribuir a un diálogo necesario entre todos, con opiniones mejor formadas desde todos los colectivos y en definitiva una imagen más unificada de nuestra profesión.

Los profesionales carecemos de información y de formación continua que nos permita gestionar adecuadamente nuestras propias empresas y carreras con éxito empresarial. La situación actual, nos lleva a considerar sí o sí el cine como industria y, para ello, es recomendable y necesario que todos los colectivos del sector tengamos una formación empresarial y de gestión que contribuya a mejorar el tejido industrial que nuestro sector necesita. 

Hemos de  escuchar a los colectivos de nuestro sector y a nuestro público, ganar seguidores en segmentos de nuestra sociedad, que pueden llegar a ser espectadores fieles y numerosos si se les acerca al proceso de comunicación audiovisual desde su formación, en las escuelas, pero también en su formación continua profesional.

Los fundadores de first team, creemos que se debe impulsar la ley de mecenazgo
no solo porque creemos que es muy útil a la industria, sino que es su complemento necesario. Es vital ampliar la ley de mecenazgo para que permita a entidades financieras interesadas en nuestro cine, apoyar decididamente la formación a través de las escuelas y organizaciones sin ánimo de lucro.

Como la fundación first team, que promueve objetivos de interés común como la formación continua de diversos colectivos del audiovisual con objetivos de excelencia y con una visión empresarial e internacional. Una Fundación que promueve el código de ética de los actores en el audiovisual. 

Organicémonos con transparencia para que las entidades de gestión de los derechos de propiedad intelectual no se mantengan de espaldas a sus miembros y puedan, en estos tiempos difíciles, respaldar las iniciativas de entidades profesionales de formación, asistir mejor a sus miembros con fondos de financiación para la promoción de las obras audiovisuales realizadas, y acciones de búsqueda de excelencia y de interés común a los miembros que representan.

Os animo a colaborar, con nuestra dedicación, a estudiar el estado de nuestro cine, a comunicar lo que sabemos y no decimos y a estudiar profunda y ampliamente la situación.  No dejemos de lado a personas y público que quieren ofrecer soluciones a nuestro sector. Escuchemos a todos los colectivos del sector.

Al público, el ruido sin armonía no le funciona, pero tenemos la certeza de que el silencio le ayuda mucho menos. El cine es una herramienta cultural y en España debe ser considerado como una industria seria, hecha por profesionales preparados y adaptados a la nueva situación del cine y de todos sus medios de distribución. 

Entre todos hemos de encontrar mejores propuestas y mejores y nuevos modelos de negocio. Si quieres ayudar al proceso de cambio de nuestro cine, puedes publicar tu comentario aquí. Utiliza un seudónimo si quieres, pero expresa tu opinión. Asiste al debate que sobre cine español vamos a promover próximamente desde la Fundación.

Assumpta Serna
Presidenta Fundación de Interpretación Cinematográfica first team
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¿Cómo está el CINE ESPAÑOL? Valoración del equipo MRC

Aquí os dejamos una valoración del equipo de MRC sobre el estado del cine español. Aquí os dejamos el mes de marzo y el primer trimestre de este 2012.Durante dicho mes todos los indicadores son positivos si los comparamos con el mes de febrero. Cabe destacar el estreno de “Luces Rojas” de Rodrigo Cortés y también el empujón del efecto Goya en películas como “No habrá paz para los malvados”.Gracias al equipo de Media Research Consultancy y a Fernando Labrada por tenernos informados sobre la evolución de nuestro Cine!!!!Desde nuestro blog iremos publicando periódicamente los datos y valoraciones que nos hagan llegar.

Assumpta Serna

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Aldo Signoretti Interview Borgia

Aldo Signoretti 

 You are obviously from Italy. But you are well known and your work is mostly appreciated in USA and Europe namely for Apocalypto, Moulin Rouge, Troy, Gangs of New York, The dreamers, Dolores Clairborne, The last temptation of Christ, Ginger and Fred… to name a few. You have been working with great directors and actors.

What do you think a director should say to you to inspire you to give your best?

I’ve always tried to read into the director’s mind and to try and understand what  he/ she wants.  A good director must give clear indication at all times, for all the team to be at the service of the film. That’s the director’s job: to know how to indicate to his/her collaborators what is going to be the image of each scene, not the one that we create but the one that has been thought out beforehand.  The colaboration betweeen the team is important inorder to achieve success. No one can create if they don’t take in account the story itself and the desired images that that are thought to be the right ones. Cinema and TV are chains of creative work.

Which scene surprised you the most in Borgia 1 when you were filming?

The quality of Borgia lasted for 12 months, to choose one scene would be difficult. All the actors bring so much that each day is always a surprise and a challenge. For us, it is a pleasure to see great actors who come into their roles so easily. We decorate the actor to help him/her to enter in action, not only phisically but spiritually. But is up to the actor to bring the carácter to life. The art of the performer is to transvestite, to transform, to play another person, and that’s is also a wonderful and amusing experience.

What is the best hint you’d like to give a new generation of actors in relationship to the hair department?

I think hairdressing is the architect of the aesthetic image. The actor can always give indications because he/she knows best the internal and external traits of the character, but we are the frame of a face who tells the story.  The hair designers and the actors have been expressing art for very long time. Even in the Ancient World, the actors who wore masks had their hair dressed by their hair designers.  The hair is the external part of our body where we can see sensitivity. Hair has a soul and a life of its own.  Actors and hair designers have to learn to develop their creative work cultivating immagination.

In a period movie or a TV series, do you think a good actor is the one who’d like to research the hair of that period and work with you on the making and appearance of your role?

The young actors have sometimes difficulty to entry in a foreign context, but to play a role is a game. The actor is a “buffone” as Mastroianni so many times said. And he /she needs elements to feel he is the role. The period dress help them also, because is an element that defines sometimes how to breath, how to seat or walk.
The actor must learn how to be comfortable in a period dress, in fact they have to feel dresses are not a costume but a dress.

What is the nicest compliment an actor/ actress had given you whilst working with you?

Actors have given me lots of nice words. We must be allies. I think the nicest thing I remember, was by director Bernardo Bertolucci, while I was working in Dreamers. He was looking and looking and I was really uncorfortable. At a certain point, I said: Bernardo if you look what I am doing, I can’t… I look at you when you work because you don’t have any prejudgement, you can change your ideas…  To me, that meant a lot, he saw right through me, I felt free inmediately, that he understood me and I was free to confront any difficulty because I am concentrated only in my work.

What do you miss from those days in American and European cinema? Money or time? Creativity? Both?

Both things go together. You can’t pay for creativity . You either have it or you don’t. Money helps give creativity to make a project more interesting, you can complete the scenes with more ease. Time always goes together with money. More money you have, more time you have.

Can you indentify between the different traits of Italian, Czech and German crew members in Borgia?

Professionalism doesn’t have nationality. I ‘ve worked around the World and it is not a question of nationality. The professionalism is a way of living your own life. A good professional is a good professional everywhere in the World.

Being a hair artist, you have a close relationship with actors. Do you think, in general, good actors are good people? Does a good actor need to be intelligent to be a good actor?

To do well in any job, we need to be intelligent: to manage a career, to behave in the right way, suitable for the movie so they call you again. Some are smart and I enjoy watching them/ But they tend to be more selfish. Intelligence is rewarded. Being smart has an objective, being intelligent doesn’t. The actors from the Golden era, in America or in Italy, became Gods in an abstract World. However in the past  years, I’ve met many different attitudes; Crazy people, normal people. But actors/ actresses are always a slightly different. Basically, they are special people who work with their imagination, recreating personalities of others, an actor invests in an attitude. I don’t think that the good actors are schizophrenic or must have complicated personalities to succeed as actors. I am someone who believes that their role has to appear only on set.  I think a good actor continues to be himself when he is not acting.

During your career, you have created a team of hair artists who learn from  you in USA and Italy. How do you choose your collaborators? What are you looking for in a young hair dresser? How do you think he/ she has  to behave on set? Dedication? Good mood? Effort? Tecnique?
True, throughout these years I’ve trained lots of people… I think I have given all of them something more. I think that whilst everyone is working they keep me in mind, but all of them have their own personal criteria about their job. I would like to think that they have wonderful posibilities and potential, that they are polite people, that they do know how to relate to the rest of the crew and with the actors because this job is a form of expression. We create with our hands, but also with our mind, hands cannot work without the head …  I choose them because I appreciate how they are, because I know they can help with something different that I don’t have specifically for that job.

I have felt working with you, that positive creative tension every time you were thinking about a new style for all the actors. Each hair style is a new challenge for you, what is the criteria you follow to consider a hairstyle finished and a job well done?
It is a difficult question. I don’t know if I have a criteria in my thoughts or that it’s a wide vision that can change, it’s never a precise way. I work from my guts, it is my instinct that brings me to do something. It is the instinct that helps me. I can’t plan it the day before, everything is shaped on the very morning I am working with a real face, when I am creating his/ her hair style. My thoughts don’t help me much. I read, I observe a painting, an image, I visualize it, I digest it and it helps me as a referent to create but finally, it serves me as a reference for rebuilding, but in the end, is what I do at the time is express myself.
In a period piece like Borgia, you mix so well what defines the period, what the character represents in the story and what suits the actor’s face. What do you think it comes first?
When we are working, we need to find a dimension between the story of what you want to say because it is the most important:  to create an image that’s created by the actor but it needs to say precise things to define it. All the things you said are important to take into account. Not one must exclude the other. For me, refining the period through hair is essential but the way an actor/actress carries my work is also very important. The actor must feel great… it is a way of representing my work. Images fill our lives. The director sets up the objectives but we all are the creative context that must collaborate with the image. When I try to create a character, I want to center it on the character, the style of the movie, because to make a nice hairstyle for a wrong character, does not help anything.  The context goes together with his/ her face, they have to go together.

You have worked now for more than a year with Spanish actress Assumpta Serna. What would you say is the best definition of her and the character she’s playing?

I think that as a person, Vannozza’s character is wonderful. Assumpta resembles Vanozza’s character because she is a fusion of the two things. Assumpta had entered into the role of this “mamma” who has a big pain to send her children to be educated away from home. But at the same time, she wants power for her sons and daughter. Assumpta is so in tune with Vannozza that for me she is the same person.  She is a true “mamma” of the Cinquecento, who creates a matriarcado, a very precise role in that period, where the women had a subtle but strong power.

You are working also with Scott Cleverdon, who plays the great Spanish Captain, Gonzalo de Córdoba. What can you say about both?

I was really amused by the idea that a Scotttish man is representing a role so well known as quinta essentially Spanish. He is a great actor. What really amused me most is to see him arrive on set with his kilt to play a Spanish role. To have seen him then talking English with a Spanish Accent, with his big, imposing figure, striked me.  Scott is also very positive, he has a great sense of humor.

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intervista Aldo Signoretti

intervista Aldo Signoretti

Sei molto conosciuto da per tutto, nei tuoi 40 anni come Hair designer, hai fatto, per dirne soltanto pochi, Moulin Rouge, Troy, Gangs of New York, The dreamers, Dolores Claiborne, The last temptation of Christ, Ginger and Fred…  Hai lavorato con bravissimi registi e attori.

Che cosa credi che un regista debba dirti nella preparazione di un film e che cosa credi che lui/lei debba dire per ispirarti?

Ho sempre cercato leggere nella mente del regista e capire che cosa vuole.  Un bravo regista deve dare delle chiare indicazioni per potere metterci d’accordo per  essere al servizio del film. Il lavoro del regista infatti é propio quello: sapere indicare ai collaboratori quello che sarà l’ immagine del film, non quella creata mà quella pensata prima. La collaborazione fra tutti é importante per la buona riuscita delle imaggini e del film . Nessuno puó creare si se prescinde dalla storia stessa e dalle immagine desiderate e che si pensano giuste. Questo lavoro del cinema e della televisione, é una catena di montaggio creativa.

Che scena ti ha sorpreso di piú in Borgia quando eri sul set?

Una serie de TV che viene fatta comme un film, e che dura 12 mesi, e difficile di stabilire. Tutti gli attori rendono ogni giorno tanto che sempre é una sorpresa, una sfita per loro e per noi e un piaccere vedere gli attori bravi che entranno nel ruolo fácilmente Noi decoriamo un attore per aitutarlo a intrare nel personaggio solo fisicamente, seno spiritualmente, ma é al attore a dar vita al personaggio. L’arte del attore, travestirsi, trasformarsi, giocare ad essere un altro, e sempre bello e divertente.

Quale é la migliore indicazione che ti piaccerebe dire alle nove generazioni di attori in relazioni al departamento di parruchiere?
Credo che noi siamo il artifice della imaggine stetica, il attore puo dare delle indicazioni perche si conoce meglio il suo tratti interno e stterno, noi siamo la cornisa di un viso che raconta la storia. Il parruchieri e gli attori sono due arti molto antiche. Gia nelle antichità, essistevano gli attori che venivano acconciatti dai parruchiere. I capelli sono la parte strema del nostro corpo che emana la sensibilita. Hannno una loro anima e una loro  vita.

 In una TV o in un film di epoca, credi che un buon attore é quello che cerca di sapere il stile della epoca e lavora con te per creare il suo personaggio?

Gli nuovi attori, hanno fatica di entrare en un contesto che non ci appartiene, ma é un giocco, quello di mascheriarse. Il attore é un buffone como dice Mastroianni, che ha bisogno di elementi per farse appartenere il propio ruolo., I costumi aiutano molto perche e un elemento di sostengo, tante volte un attore non puo respirare, o debe sedersi di una forma o caminare di un altra .  Il attore deve imparare a portare un costume comme un vestito.

Che cosa é il piú bello che un attore/ attrice ti ha detto lavorando con te?

Gli attori mi hanno fatto molti complimenti. Con gli attori devi avere una compiacienza. Credo che la cosa piu bella me la ha detto un regista, Bernardo Bertolucci, mentre lavoravo su di Dreamers. Lui mi guardava, io era embarazzatissimo. A un certo punto, io ho detto: Bernardo si mi guardi.. non posso.. Ti guardo perche cuando lavori non hai di prejugé, poi canviare di idea… per me quello significa che qualcuno ha riuscitto a vedermi il fondo, ha capito che mi sento libero per affrontare qualunque difficolta nel momento che sto pensando concentratto sul lavoro.

Che cosa ti manca questi giorni per avere una attitudine creativa nella TV  Americana o Europea? Soldi? Tempo? Creatività? Entrambi?
E una combinazioni di cose. La creativita non si puo pagare. La creativita si a o non si a.  I soldi aiuttano a la creatività, a fare un progietto piú interessante, delle scene piú complete. I tempo e anche ligato ai soldi. Piu soldi hai, piu tempo hai.

 Puoi identificare delle attitudine txeche, tedesche, spagnoli, f    rancese nei persone che lavorano su Borgia?

Io ho lavorato in tutto il mondo, non e una cuestione di nazionalita. La professionalita fa parte di un modo di vivere questa vita. Un professionista serio e un professionista in tutte le parte del mondo.

Un parruchiere a delle relazioni con gli attori. Credi in generale, che i buoni attori sonno anche buone persone? Un buon attore a bisogno di essere intelligente per essere un buon attore?

Per fare qualunque mestiere bene, aviamo bisogno di essere intelligenti, per gestire la propia imaggine, per comportarsi da forma che vada bene ai film perche ti chiamono una altra volta… I furbi mi divertono Molto. Pero si individuono con piu facilita. La intelligenza viene premiata. La furbizzia a un fine, la intelligenza no.  Gli attori degli anni di oro dil cinema, sia in Italia o in America, diventavano dei dei in un mondo astratto, ma con gli anni, ho rincontrato di tutto: dei folle, normale, ma gli attori hano sempre un pó da diversità. In fondo, sonno di persone speciali, che lavoranno sul imaginario, sulle personalità degli altri, un attore investe in altre attitudine. Io non credo che il buon attori sono di schizofrenici. Sonno di quelli che pensanno che il personaggio devono lasciarlo in casa. Penso che un buon attore ritorna ad essere se stesso cuando smette il suo personaggio.

 Nella tua carriera, hai creato un team di parruchiere che hanno imparato     di te in America e in Italia. Come scegli a tuoi collaboratori? Che cosa cerchi     in un giovane parruchiere? Come credi che deve essere la sua attitudine nel     set: Dedicazione, Buona attitudine? Sforzo? Tecnica?

Certo, in questi anni  ho fatto di trainer a tanta gente…credo que ho datto a qualcuno qualcosa in piú. Credo che ogniuno a un ochio su di me, ma ogniuno di lloro hanno un criterio personale nel lavoro. Mi piacerebbe pensare che hanno della splendide capacita, che sono di persone corrette, che sappiano relazionarsi con la gente, con gli attori, con il lavoro, perche questo lavoro  e una forma d’ esppressione. Si crea con le mani, ma anche con la testa, rincontriamo che le mani senza la testa non vanno.
Li scelgo per la estima che o di loro, perche so che possono aggiungere qualcosa in piu al mio lavoro e al film.

Ho sentito lavorando con te, quella positiva tensione creativa ogni     volta que pensavi in un nuovo stilo per tutti gli attori. Ogni stile e una     nuova sfida per te, quale é il criterio che segui per pensare que una     pettinatura é bene fatta?

E una domanda difficile. Non so si o un criterio de pensiero o una visione molto allargata, non e mai precisa, lavoro di panxa, di quello che il instinto mi porta a fare. Il instinto e quello che mi aiuta. Non riesco a programmare un giorno prima, ma tutto esce quel mattino in quel momento che sto creando. La razionalita non mi serve tanto, io leggo, vedo un cuadro, una immagine, lo visualizzo, lo metabolizzo e mi serve di riferimento per reconstruirlo ma finalmente resta quello che faccio al momento di sprimermi.

In un film di epoca cme in Borgia, devi mischiare quello che il     personaggio representa nella storia, il altro personaggio che actua enfronte dil personaggio, e il contessto, e anche quello che li sta    bene al viso dal attore. Che credi é piú importante?
Bisogna trovare una dimensione fra quello che e la storia di un film perque per me e quello il piu importante: creare una immagine che va creata sul attore ma deve dire delle cose precise nel film. Sono cose importante, nessuna debe exclude l’alltra. A l’epoca ci tengo molto, ma comme il attore porta su di lui il mio lavoro devi sentirsi bene… e un modo di rapresentarmi.

Le immagine rimpiena la nostra vita. Il regista e quello che dirige, ma noi siammo il contesto creativo che devono collaborare alla imagine. Tengo a creare un personaggio, di avere centrato il personaggio, perche fare una bella  pettinatura per sbagliare un personaggio, non serve a niente. Va insieme al viso, al contesto, camminano insieme.

Tu hai lavorato adesso per piú di un anno con la attrice spagnuola     Assumpta Serna. Cosa diresti che é la piú corretta definizione quando pensi     in lei e dal ruolo ché lei e a interpretare, Vannozza?

Credo che come persona, Il personaggio da Vannozza é meravigliosa.  Assumpta assomiglia a Vannoza e lei é una fusione delle due cose in tanta altezza é questa fusione, che Assumpta é intrata in questo ruolo di “mamma” in questo grande dolore per essere separata dalla educazione dei suoi figli, ma al stesso tempo, vuole che i suoi figli hanno potere. Assumpta e Vannozza sono per me la stessa persona.  E una vera “mamma” dal Cinquecento, con un potere sotile e forte, che crea un matriarcado, un ruolo preciso nella societa da quella epoca.

Lavori anche con Scott Cleverdon, qui representa il ruolo dal Grande Capitano, Gonzalo Fernández de Córdoba. Cosa ci dice da loro due?
Mi ha molto divertito la idea che un scozese ripresenta un ruolo cosi conosciutto come la quinta essenza Della Spagna. Lui e un bravíssimo attore, la cosa che piu mi ha divertito e vederlo arrivare con la kilt per fare un spagnuolo. Averlo visto poi lavorare in inglese ma con il accento spagnuolo, e quella figura alta, imponente, mi ha molto colpito. E anche é molto spiritoso, a un meraviglioso senso di umore.

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Entrevista a Aldo Signoretti.Diario de Rodaje Borgia

 
Aldo Signoretti es un reconocido Estilista italiano que ha sido nominado 3 veces al Premio de la Academia de Hollywood. La primera vez en 2001  por su trabajo en Moulin Rouge!, la segunda por Apocalypto en 2006 y la tercera por su trabajo en Il divo (2010). 
Además de estos largometrajes, también es muy reconocido mundialmente por su labor en producción para Televisión. Fue el estilista de los primeros 12 episodios de Borgia y, actualmente, se centra en el estilismo de Borgia Segunda Temporada. 

Intrevista in Italiano 
Interviw in English

Naciste, obviamente, en Italia. Pero eres muy conocido en EEUU y en Europa por el trabajo que has hecho durante 40 años como jefe de peluquería en Apocalypto, Moulin Rouge, Troya, Gangs de NY, Los soñadores, Dolores Clairbone, La última tentación de Cristo, Ginger y Fred…  Has trabajado con buenísimos directores y actores.
¿Qué crees que un director debe decirte para inspirarte a dar lo mejor de ti mismo?
Siempre he buscado leer en la mente del director y entender lo que quiere. Un buen director debe dar indicaciones claras para poder ponerse de acuerdo para servir a la historia de la película. El trabajo del director es este: Saber indicar a los colaboradores aquello que será la imagen del film. No ésa creada, sino aquélla pensada antes. La colaboración entre todos es importante para conseguir el éxito de las imágenes en la película.  Nadie puede crear si se prescinde de la historia en sí misma y de las imágenes deseadas que se piensa que son las justas. El cine y la TV es una cadena de montaje creativa.
¿Qué escena te ha sorprendido más de la primera temporada de Borgia cuando rodabas?
Rodrigo Borgia                                   John Doman
Rodrigo Borgia                                   John Doman
La calidad de Borgia se mantuvo durante los doce meses de rodaje, así que escoger una escena sería dificilísimo. Todos los actores dan tanto, que cada día es siempre una sorpresa y un reto.  Para nosotros es un placer ver a grandes actores que se meten en sus papeles con tanta facilidad. Nosotros decoramos al actor para ayudarle a entrar en acción, no sólo físicamente, sino también espiritualmente. Pero luego está en manos del actor dar vida a su personaje. El arte del intérprete es transvestirse, transformarse, para ser otra persona y eso es también una maravillosa y divertida experiencia.
Vanozza Catanei                        Assumpta Serna
Vanozza Catanei                      Assumpta Serna

 

¿Cuál es el mejor consejo que te gustaría dar a la nueva generación de actores en relación al área de peluquería?
Creo que el estilista es el arquitecto de la imagen estética. El actor puede dar indicaciones porque conoce mejor la personalidad interna del personaje y también la externa, pero nosotros damos el marco a un rostro que explica la historia. Los estilistas y los actores expresan arte desde hace muchos siglos. En la antigüedad, los actores con máscaras tenían peluqueros que les preparaban pelucas o les arreglaban el peinado. El cabello es la parte externa del cuerpo de la que emana sensibilidad. Tiene alma y vida propia.
En una TV o en una película de época, ¿crees que un buen actor es aquél que busca saber el estilo de peinado de una época y trabaja contigo para crear la apariencia de un personaje?
Los actores jóvenes tienen, a veces, dificultades para sumergirse en un contexto que les es extraño, pero interpretar un personaje es un juego. El actor es un “bufón”, como decía a menudo Mastroianni, y necesita elementos para sentirse dentro de un personaje. El traje de época ayuda mucho porque es un elemento que define como  respirar, como sentarse o caminar. El actor debe aprender a sentirse cómodo en un traje de época, de hecho debe comprender que el traje que lleva no es un disfraz, sino su vestido.
Lucrezia Borgia      Isolda Dychauk
Lucrezia Borgia                              Isolda Dychauk

¿Cuál es el comentario más bonito que un actor/actriz te ha dicho al trabajar contigo?

Los actores me han dicho muchas cosas bonitas. Con los actores debemos ser cómplices. Creo que lo más bonito que recuerdo, me lo dijo un director, Bernardo Bertolucci cuando trabajaba en Dreamers. No dejaba de mirarme mientras peinaba y yo me sentía verdaderamente incómodo. Por fin dije: Bernardo si me miras tanto… no puedo… Te miro mientras trabajas porque no tienes ningún prejuicio, puedes cambar de idea… Eso significó mucho para mí, que él viera a través mío, me sentí libre para afrontar cualquier dificultad porque me concentro solo en mi trabajo.
¿Qué echas de menos de esos días en el cine europeo y americano? ¿Dinero o tiempo? ¿Creatividad? ¿Ambas?
Las dos cosas van juntas. No puedes pagar la creatividad. La tienes o no la tienes. El dinero ayuda a la creatividad para que un proyecto sea más interesante, puedes completar la escena con más facilidad. El tiempo siempre va ligado al dinero. Cuanto más dinero tienes, más tiempo tienes.
Cesare Borgia                                       Mark Ryder
Cesare Borgia                                       Mark Ryder

¿Puedes identificar rasgos y/o actitudes comunes o diferentes entre los miembros italianos, checos o alemanes que trabajan en Borgia? 

La profesionalidad no tiene nacionalidad. He trabajado en todo el mundo y no es una cuestión de nacionalidad. Ser profesional refleja un modo de vivir la vida. Un profesional serio es un profesional en cualquier parte del mundo.
Un peluquero tiene una estrecha relación con los actores. En términos generales,  ¿crees que los buenos actores son buenas personas? ¿Un buen actor ha de ser inteligente para ser un buen actor?
Juan Borgia      Stanley Weber
Juan Borgia                           Stanley Weber

Para hacer bien cualquier trabajo, uno debe ser inteligente: para gestionar tu carrera, para comportarte de manera correcta, de modo que la película vaya bien y te llamen otra vez. Hay algunos listillos que me divierte mucho observar. Pero tienden a ser mas egoístas y acaban solos. La inteligencia se recompensa. Ser listillo tiene un objetivo, ser inteligente no. Los actores de la Edad de Oro del cine, tanto en Italia como en América, se convirtieron en Dioses de un mundo abstracto. Sin embargo, estos últimos años he visto muy distintas actitudes desde el loco hasta el más normal. Aunque los actores y actrices siempre ligeramente diferentes. Básicamente son personas especiales, que trabajan con su imaginación, recreando la personalidad de otros. El actor invierte en actitud. Yo no creo que los buenos actores sean esquizofrénicos o que deban tener personalidades complicadas para tener éxito como actores. Soy de los que piensan que el personaje debe aparecer en el plató. Pienso que un buen actor vuelve a ser él mismo cuando ya no está actuando.

En tu carrera, has creado un grupo de estilistas que han aprendido de ti en América y en Italia. ¿Cómo escoges a tus colaboradores? ¿Qué buscas en un peluquera/o joven? ¿Cómo crees que debe ser su actitud en el plató? ¿Dedicación? ¿Buen humor? ¿Esfuerzo? ¿Técnica?
 Rey Carlos                          Simon Larvaron

Es verdad, en estos 50 años, he enseñado a muchos. Creo que a todos les he dado algo más. Creo que mientras trabajan todos me tienen presente, pero cada uno tiene su propio criterio en el trabajo. Me gustaría pensar que tienen una capacidad y unas posibilidades inmensas, que son personas correctas, que saben cómo relacionarse con el resto del equipo y con los actores, porque este trabajo es una forma de expresión. Creamos con las manos, pero también con la mente… Las manos sin la cabeza no funcionan. Los elegí porque aprecio cómo son, porque sé que pueden añadir algo diferente a mi trabajo y a la película.

Trabajando contigo he sentido esa tensión creativa positiva cada vez que pensabas en un nuevo estilo para todos los actores. Cada estilo de peinado es un nuevo reto para ti. ¿Cuál es el criterio que sigues para considerar que un peinado está acabado y bien hecho?
Es una pregunta difícil. No sé si tengo un criterio fijo o más bien una visión amplia que puede cambiar, nunca es de una forma precisa. Trabajo de corazón, con aquello que mi intuición me lleva a hacer. Es el instinto el que me ayuda. No consigo  programarme el día anterior. Todo surge desde la mañana que empiezo a trabajar con una cara real, cuando estoy creando el estilo del actor o la actriz.  Mi mente no me ayuda mucho. Leo, veo un cuadro, una imagen, la visualizo, la digiero y me sirve de referencia para reconstruirla, pero al final, lo que hago en el momento es expresarme.
En una película de época como Borgia, antes de peinar a un actor, debes tener en cuenta muchos factores como: lo que el personaje representa en la historia, o si eres o no realista en los peinados de la época correspondiente, o el personaje del actor que peinas y el contexto del rodaje con aquello que le sienta bien a la cara del actor. ¿Qué crees que es lo más importante?
Cuando trabajamos, necesitamos encontrar una dimensión entre la historia de lo que se quiere contar porque, para mí, es lo más importante: crear una imagen que ha sido creada por el actor pero que debe decir cosas muy precisas para definirlo. Hay que tener en cuenta todas las cosas que has dicho, ninguna debe excluir a la otra. Para mí, definir la época a través del peinado es importante, pero la forma en que un actor/ actriz lleva mi peinado también lo es. El actor debe sentirse muy bien. Es una manera de representar mi trabajo. Las imágenes llenan nuestras vidas. El director define los objetivos pero nosotros somos el contexto creativo que debe colaborar en la creación de la imagen. Cuando intento crear un personaje, quiero centrarlo, porque hacer un bonito peinado para equivocarme de personaje, no sirve a nada. Tiene que ajustarse al rostro, al contexto, porque van juntos.
Hace más de un año que estás trabajado con la actriz española Assumpta Serna. ¿Cuál sería la descripción más correcta de ella y su personaje? 
Creo que como persona, el personaje de Vannozza es maravillosa. Assumpta se parece a Vannozza porque es una fusión de ambas. Assumpta se mete en el personaje con tanta veracidad, que en esta fusión se sumerge en su personaje de “mamma”, en su gran dolor al ser separada de la educación de sus hijos, pero al mismo tiempo, quiere que sus hijos tengan poder. Assumpta y Vannozza son para mí la misma persona. Es una verdadera “mamma” del siglo XV, con un poder sutil y poderoso, que crea un matriarcado, un papel necesario en la sociedad de ésa época.
Trabajas también con Scott Cleverdon, el Gran Capitán, Gonzalo Fernández de Córdoba. ¿Qué nos dices de ambos?
Me ha divertido mucho la idea que un escocés represente un personaje que es la quintaesencia de España. Es un buenísimo actor. Lo que me ha divertido más es verle llegar con su kilt para hacer un español. Cuando lo vi después, trabajar en inglés pero con un acento español, con su figura alta, imponente, me sorprendió mucho. Es muy positivo, tiene un maravilloso sentido del humor.
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Kiti Mánver y El arte de Permanecer en el Oficio de ser Actor

El pasado miércoles día 25 de Abril, la Fundación first team, dentro de su Ciclo de Coloquios de Cine, tuvo el privilegio de recibir a la actriz, productora y dramaturga Kiti Mánver.
Sus últimas obras cinematográficas como actriz son Una hora más en Canarias (2009), Pagafantas (2008) y Los abrazos rotos (2007), entre otras. En 1991 fue premiada con un Premio Goya a Mejor Actriz de Reparto  en la película Todo por la pasta, de Enrique Urbizu.

Antes de comenzar el coloquio, Assumpta Serna, fundadora de First Team, abrió las puertas a la gran actriz Kiti Mánver e inició su presentación con adjetivos y halagos elocuentes, a lo que Kiti Mánver calificó como “exagerada”.

Con este toque de humor dio inicio un Coloquio que duraría cuatro horas. Las dos primeras iban dirigidas tanto a las personas que quisieran asistir, como a los alumnos de los dos cursos que están en funcionamiento actualmente en la Fundación, como son el de Curso de Estudios Superiores de Interpretación Audiovisual y el Curso de Especialista Universitario en Interpretación Cinematográfica y Audiovisual, Postgrado que se imparte junto con la Universidad Rey Juan Carlos. Y las dos últimas horas del coloquio fueron dedicadas a una clase exclusiva para nuestros alumnos.
Kiti Mánver comenzó con agradecimientos hacia la Fundación por haberla invitado a pasar un buen rato con todos los asistentes.
La actriz antequerana arrancó con entusiasmo y con esa faceta cómica que la caracteriza, asegurando que es muy bueno seguir manteniendo el miedo y las ganas de afrontar diferentes retos cuando eres actor. A lo largo de su carrera y gracias a la ayuda de muchos profesionales del mundo del audiovisual, Kiti Mánver ha conseguido aprender de la experiencia de la profesionalidad en todos los ámbitos del audiovisual.
La actriz quiso incluir como título del coloquio la siguiente frase: El arte de permanecer en el oficio de ser actor.
La sensación de continuar haciendo el trabajo de ser actor, de hacer lo que realmente le gusta y seguir practicándolo es una faceta muy importante a la hora de mantenerse tanto tiempo en este ámbito audiovisual. “¡Se sienten mariposas en el estómago!”, exclamaba la actriz.
Empezó con tan sólo 16 años a hacer teatro y, a su vez, fue acumulando experiencia hasta debutar en su primera película Chicas de club (1973), a las órdenes de Jorge Grau. Kiti comentó que, en aquella época, realizó la carrera de “meritoriaje”, que consistía en realizar varias películas para adquirir experiencia y conseguir un carnet de actor que otorgaban.
Su formación profesional
 
Así mismo se formó en diferentes escuelas de cine y de teatro durante tres años y esa es la base para aprender las facetas de ser actor y entender los aspectos técnicos del cine y teatro. “El instinto de cada uno es muy importante y hay que llenarlo de energía”, afirmaba.
Seguidamente, nos habló sobre su trabajo como actriz en la época franquista. Fueron momentos difíciles y angustiosos en su vida laboral, debido a los numerosos doblajes que se llevaban a cabo. Como anécdota nos contó que en una de sus películas, Habla mudita, tenía que interpretar a una chica muda y los productores y directores decidieron doblar a Kiti. “¡En mi papel de muda incluso me doblaron!”, comentaba escandalizada.
Después de eso, Kiti Mánver vivió la época del destape. Afirmaba que muchas actrices no estaban dispuestas a salir desnudas en una película o incluso en una sesión de fotografías que luego serían publicadas en revistas. Era complicado mantener la dignidad y una ética de trabajo.
“Yo no critico a nadie, pero parecía una obligación hacer fotos desnudas y publicarlas en revistas”, comentaba.
Kiti Mánver leía los guiones de las películas que iba a interpretar y la mayoría no le interesaban puesto que incorporaban escenas de desnudo corporal. Kiti quería aprender de verdad de su profesión, sin tener que interpretar ese tipo de películas.
Kiti aconsejó a los alumnos, que no sólo las escuelas sirven de experiencia para formarse, sino también en cooperativas y otras entidades para practicar lo que se estudia e invertir en ello.


“Aprendiz de todo, especialista  en algo”

Para Kiti, la célebre frase de Shakespeare “Aprendiz de todo, maestro de nada” no consigue dar los ánimos que ella busca para la profesión en cine y teatro. Por ello, es necesario aprender todas las cualidades artísticas y técnicas de interpretación para llegar a ser un gran conocido en el mundo del audiovisual. De este modo, quiere cambiar la frase, afirmando que el conocimiento de saber un poco de cada cosa es fundamental para el futuro de cada uno y, al mismo tiempo, realizar el trabajo del otro. “Siempre hay que estar con la antena puesta y ser espabilado, eso es ética profesional”, afirmaba Kiti.
Para Kiti, no sólo el aprendizaje en las escuelas es importante, también en los libros e incluso en el escenario se aprenden muchas maneras de hacer teatro y cine, y todo ello se ha de compaginar. Para Kiti, el deseo de encarnar un personaje implica conocer el aspecto técnico de la escena (sonido, cámaras, etc.) y eso permite al espectador ser más informal a la hora de actuar.
La actriz antequerana nos pone como ejemplo el aprendizaje de conocer el texto o el guión de los demás actores que interactúan en la acción, por lo que es un error muy grave anticiparse a los acontecimientos sin saber cuándo termina el diálogo de un personaje o no saber qué acción realizar en cada momento.
Hay que hacer el ejercicio diario de escuchar el texto del otro como si fuera la primera vez para no anticiparse y hacer las cosas mal. Hay que estudiar, no sólo nuestro propio guión, sino el de los demás actores”, recalcaba.
Qué ejercicios practicar para realizar una buena interpretación en el género de la comedia
Según Kiti Mánder, hay varias fórmulas que todo actor cómico debe seguir para realizar una interpretación adecuada y causar risa al público. En primer lugar, la actriz señala que hay que trabajar muchas horas y tener la suficiente eficacia para hacer reír al espectador. “Contar chistes es un buen método para los actores”, decía.
En segundo lugar, otro requisito importante es la voz como instrumento fundamental, tanto para hablar como para cantar. “En teatro tiene que escucharte todo el público y tener un físico bien planteado también es importante”, comentaba Kiti.
Claves del éxito para entender la profesión del audiovisual
 
Kiti Mánver relaciona el trabajo del actor con el trabajo de los técnicos, sastres, directores y productores. Es un vínculo que trata de unir las diferentes profesiones en una sola para llegar a integrarse en todos los elementos de la profesión.
Una de las claves para que una película triunfe en taquilla es haber realizado previamente un buen trabajo durante la preproducción, rodaje y postproducción. “Un director tiene que traer los deberes hechos de casa”, afirmó Kiti.
La facilidad de comunicarse con los técnicos , los eléctricos, etc., es muy importante para llevar a cabo un buen trabajo.
Kiti habla sobre el trabajo de los directores cuando era joven, ya que no había apenas comunicación con el director y todo era más estricto. Ahora todo eso ha cambiado puesto que los actores están más preparados y saben defenderse a la hora de trabajar en otros ámbitos de la profesión. Por ejemplo saber cómo desempeña su trabajo el director, productor, etc.
Otra clave de éxito es la flexibilidad en el trabajo de ser actor, saber comunicarse con las personas que ocupan sus respectivos puestos de trabajo y encontrar la ética del trabajo.
“Es bueno ser especialista en algo para aprender de todo”, aseguraba Kiti, “Es importante no dejarse llevar por el genio o no hacer las cosas bien, porque luego no se interpreta bien a los personajes”, continuaba.
La audiencia en el teatro
 
Kiti Mánver critica la audiencia en el teatro. Esto es no pagar por una entrada de teatro y luego se haga ese gasto en tonterías. Kiti arranca contra los políticos en gran medida, puesto que le molesta que digan que el teatro es demasiado caro. “En nuestro país no es importante ir al teatro, socialmente”, recriminaba Kiti.
Para finalizar
 
Kiti finaliza su coloquio aconsejando que la preparación en el trabajo del actor es muy importante. De hecho, ahora hay más preparación que antiguamente y, sobre todo, la gente joven adquiere una preparación extraordinaria, a partir de la cual Kiti ha aprendido mucho con directores jóvenes como Enrique Urbizu.
Por último, Kiti hace alusión a la relación con el agente, recalcando que el representante o agente, en muchos casos, quiere manejar o manipular la carrera profesional del actor, eligiendo qué es lo mejor para éste, aunque en otros casos eso viene bien, puesto que se vive de la experiencia del agente. “Hay que escuchar al agente y vivir de su experiencia”, afirmó. Asegura que su representante siempre ha respetado su forma de hacer las cosas.
Llega el fin del coloquio, los alumnos realizan preguntas muy interesantes a Kiti,  a las que responde con gran entusiasmo. Fue una mañana repleta de risas y anécdotas que compartió en First Team con todos nosotros, al mismo tiempo que atrapaba las miradas y la atención de cada uno de nuestros alumnos.

Roberto Torres Llorente

 

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